Plan 75

Año: 2022
Duración: 108 min.
País: Japón
Dirección: Chie Hayakawa
Guion: Chie Hayakawa

Música: Rémi Boubal

Fotografía: Hideho Urata

Reparto:
Chieko Baisho, Hayato Isomura, Stefanie Arianne, Yumi Kawai, Motomi Makiguchi...

En un Japón de un futuro cercano, el acelerado envejecimiento demográfico empuja a las autoridades a tomar una medida extrema. El gobierno implementa el "Plan 75", un programa oficial que alienta e invita de forma voluntaria a los ciudadanos mayores de 75 años a someterse a la eutanasia con el fin de aliviar las cargas económicas y sociales del Estado.

A cambio, los ancianos reciben una suma de dinero para gastar en sus últimos días, asesoramiento logístico y un entierro gratuito.

Cámara de Oro a la Mejor Ópera Prima - Mención Especial en el Festival de Cannes 2022

Plan 75, de Chie Hayakawa, es una película dura, inquietante y profundamente triste. La historia nos sitúa en un Japón donde el envejecimiento de la población se ha convertido en un problema social y económico. Ante el aumento de los crímenes y las actitudes de rechazo hacia las personas mayores, el Gobierno decide poner en marcha el llamado Plan 75, un programa público que ofrece a los mayores de 75 años la posibilidad de poner fin a su vida mediante un procedimiento gratuito de suicidio asistido. A cambio… reciben una cantidad de dinero para disfrutar de sus últimos días y cuentan con una persona que les acompaña telefónicamente durante el proceso, resolviendo sus dudas y atendiendo sus necesidades.

Lo verdaderamente aterrador de esta propuesta es la manera en que se nos presenta donde todo está organizado y envuelto en una aparente normalidad… hay formularios, trabajadores que atienden las solicitudes, llamadas de seguimiento y una maquinaria administrativa que convierte una decisión irreversible en un trámite más. El Estado no necesita recurrir a la violencia visible porque ha conseguido algo mucho más inquietante… presentar la muerte como una alternativa razonable para quienes han dejado de encajar en las necesidades de la sociedad.

La idea de la película nace de un acontecimiento real que tuvo lugar en Japón en 2016, cuando un joven asesinó a diecinueve personas con discapacidad en un centro residencial, defendiendo que sus vidas no aportaban nada a la sociedad. Un hecho terrible que sirve a Chie Hayakawa como punto de partida para imaginar hasta dónde puede llegar una sociedad cuando empieza a distinguir entre vidas que merecen ser vividas y vidas que considera prescindibles… igual se puede hacer una versión española que lleve por título "Plan 7291".

Destacar especialmente a Chieko Baisho, que está magnífica, aunque el resto del reparto también realiza un trabajo muy digno, contribuyendo a crear ese retrato de una sociedad que ha ido perdiendo algo tan esencial como la capacidad de cuidar de los demás.

Ahora bien, aunque reconozco la importancia de lo que plantea, también tengo que reconocer que la película se me ha hecho larga. Su ritmo pausado termina pasando factura, especialmente durante el último tramo, donde he sentido que la narración pierde algo de fuerza y que algunas situaciones se prolongan más de lo necesario… creo que la historia habría ganado con una mayor capacidad de síntesis, sin que eso hubiera restado profundidad a su mensaje.

Si hay algo que quiero destacar de esta película, es la enorme tristeza que transmite. Plan 75 es una distopía, sí, y espero sinceramente que nunca lleguemos a contemplar algo parecido en la realidad, sin embargo, tampoco me parece una posibilidad tan lejana cuando observamos determinadas actitudes sociales y políticas, ese desprecio hacia quienes necesitan ayuda y esa falta de consideración hacia las personas que ya no pueden seguir el ritmo que impone el mundo actual. Me preocupa especialmente esa facilidad tan miserable con la que algunas personas deciden quién merece ocupar un lugar y quién sobra… ¿Os suena de algo?

Plan 75 no es una película fácil ni especialmente entretenida en el sentido convencional y sus problemas de ritmo hacen que la experiencia resulte algo irregular. Chie Hayakawa construye una historia desoladoramente triste y que nos obliga a pensar en el tipo de sociedad que estamos alimentando.

La distopía más peligrosa es aquella que no necesita armas, sino ventanillas de atención al cliente y sonrisas corporativas para camuflar el descarte humano. Una sociedad que calcula el valor de una vida en función de su productividad es una sociedad que ya ha firmado su propia y miserable bancarrota moral.

Rental Family (Familia de alquiler)

Título original: Rental Family
Año: 2025
Duración: 103 min.
País: Japón
Dirección: Hikari
Guion: Stephen Blahut e Hikari

Música: Jon Thor Birgisson y Alex Somers

Fotografía: Stephen Blahut y Takuro Ishizaka

Reparto:
Brendan Fraser, Mari Yamamoto, Takehiro Hira, Akira Emoto, Shannon Mahina Gorman, Nihi...

Phillip (Brendan Fraser) es un solitario y deprimido actor estadounidense que reside en el Tokio actual. Tras verse estancado en su carrera profesional audicionando para papeles insignificantes y luchando por encontrar un verdadero propósito en su vida, su suerte cambia cuando es contratado de manera imprevista por una peculiar agencia japonesa de "familias de alquiler".

A partir de ese instante, la función de Phillip consistirá en trabajar como un "suplente" para desconocidos, adoptando el rol del clásico "hombre americano" en la vida cotidiana de varios clientes.

De esta manera, el protagonista se infiltra en las complejas vidas de extraños, suplantando a amigos, esposos o padres ausentes en toda clase de eventos sociales y situaciones personales de la reservada cultura nipona.

A medida que se sumerge profundamente en el mundo de estas personas que sufren en secreto la epidemia de la soledad, las líneas divisorias entre lo que es simple actuación y lo que es realidad se empiezan a difuminar por completo, forjando conexiones humanas que le devolverán la felicidad, la empatía y la calidez que creía perdidas.

La película nos lleva a una sociedad en la que algunas personas pueden contratar a alguien para que ocupe durante unas horas el lugar que necesitan: un familiar, un marido, un padre, una compañía… es cierto, quizás puede sonar extraño, pero cuanto más avanza la película, más fácil resulta entender por qué alguien puede llegar a necesitar algo así, porque detrás de ese negocio tan particular hay personas solas, personas que necesitan ser escuchadas, acompañadas o simplemente sentir que alguien está ahí… que alguien les dedique un poco de tiempo.

Hikari construye una historia delicada alrededor de esa necesidad de compañía y de las muchas maneras que tenemos de intentar llenar nuestros vacíos.

Brendan Fraser está magnífico… su personaje es un hombre vulnerable, amable y dispuesto a cuidar de los demás, aunque él mismo parece no saber muy bien qué hacer con su propia vida y aunque la situación que plantea la película pueda parecer insólita, él consigue hacerla creíble, tierna y sobre todo, por increible que parezca… real.

Rental Family es una película tierna, emotiva y profundamente humana y tengo que reconocer que me ha enganchado y que me he emocionado con algunas de sus historias… quizá porque últimamente tengo las emociones a flor de la piel, pero también porque creo que el cine está precisamente para eso, para tocarte en algún lugar que te haga sentir y palpitar.

Hikari firma una obra luminosa y delicada que, lejos de juzgar la excentricidad de su premisa, la abraza para regalarnos una película bellísima que nos devuelve las ganas de conectar con el mundo.

El infierno del odio

Título original: Tengoku to Jigoku
Año: 1963
Duración: 143 min.
País: Japón
Dirección: Akira Kurosawa
Guion: Hideo Oguni, Akira Kurosawa, Ryuzo Kikushima y Eijiro Hisaito

Música: Masaru Satô

Fotografía: Asakazu Nakai y Takao Saito

Reparto:
Toshirô Mifune, Kyôko Kagawa, Yutaka Sada, Takashi Shimura, Tatsuya Mihashi, Tatsuya Nakadai, Kenji Kodama, Isao Kimura, Kenjiro Ishiyama, Takeshi Katô, Jun Tazaki, Nobuo Nakamura, Yûnosuke Itô...

La historia se divide en dos partes. En la primera, conocemos a Kingo Gondo (Toshirô Mifune), un poderoso y respetado directivo de una importante compañía de zapatos. Gondo se encuentra en su lujosa mansión —ubicada en lo alto de una colina que domina la ciudad de Yokohama— a punto de cerrar una arriesgada operación financiera secreta para hacerse con el control total de la empresa, hipotecando para ello todos sus bienes.

En ese momento crucial, recibe una llamada telefónica: un misterioso secuestrador afirma tener a su hijo pequeño y le exige un rescate desorbitado. Poco después, se descubre que el criminal se ha equivocado de niño y a quien tiene retenido en realidad es a Shinichi, el hijo de su humilde chofer.

A pesar del terrible error, el secuestrador mantiene la exigencia del millonario rescate. Gondo se ve atrapado en un dilema moral devastador: si paga la enorme suma para salvar al hijo de su empleado, caerá en la ruina absoluta y perderá todo el trabajo de su vida, si se niega, cargará para siempre con la culpa de la muerte de un inocente.

Fotograma de Plata 1963 al Mejor Intérprete de Cine Extranjero para Toshirô Mifune

Akira Kurosawa parte de un secuestro para construir un relato sobre el dinero, las diferencias sociales, la ambición, la culpa y sobre todo, sobre hasta dónde estamos dispuestos a llegar cuando la vida nos coloca frente a una decisión axfisiante.

La película está basada en King’s Ransom, de Ed McBain y Kurosawa la lleva a un Japón que está cambiando a toda velocidad. La primera parte me parece extraordinaria, donde se nos presenta a Gondo, un hombre que ha conseguido prosperar gracias a su trabajo y que vive en una posición privilegiada, literalmente por encima de la ciudad… y hasta aquí puedo leer.

La tensión de esa primera parte es impresionante, pero es cierto que cuando llega la segunda, reconozco que el ritmo ya no me atrapa de la misma manera.

Creo que tiene una fotografía impresionante y que Kurosawa nos regala escenas inolvidables, cómo la del tren o la del famoso humo rosa… en una película rodada en blanco y negro, que de repente aparece humo rosa de una chimenea es imposible de olvidar.

Kurosawa nos habla de la desigualdad sin necesidad de convertir la película en un discurso… nos habla de quienes tienen y de quienes no tienen, de quienes miran desde arriba y de quienes viven abajo, de la frustración que puede convertirse en odio y de cómo ese odio termina deformando a quien lo siente.

Ver El infierno del odio, además, es volver a encontrarse con Toshirô Mifune… magnífico como siempre y un regalo y un placer volver a verle en una película.

El infierno del odio me parece una película enorme donde Kurosawa nos demuestra que no necesitaba samuráis ni grandes batallas para hablar del honor, la culpa, la venganza o la condición humana.

Aquí el infierno está cerca… está en la envidia, en el resentimiento, en la necesidad de tener lo que tiene el otro y en esa parte de nosotros mismos que preferimos no mirar demasiado, no vaya a ser que nos sintamos indentificados más de lo que deseemos.

Con samuráis o con trajes de chaqueta, el tándem Kurosawa-Mifune demostró una vez más que jugaba en otra liga. Puede que la segunda mitad de la película pierda algo de esa tensión asfixiante que te mantiene pegada a la silla al principio, pero visual y conceptualmente sigue siendo una lección de cine imborrable… una cita obligatoria para cualquier amante del séptimo arte que quiera ver a dos gigantes en la cumbre de su talento.