Parecido a un asesinato

Año: 2025
Duración: 111 min.
País: España
Dirección: Antonio Hernández
Guion: Rafael Calatayud Cano

Música: Luis Ivars

Fotografía: Guillem Oliver
Reparto:
Blanca Suárez, Eduardo Noriega, Tamar Novas, Claudia Mora, Marián Álvarez, Raúl Prieto, Joaquín Climent, Andy Povega...

Eva (Blanca Suárez) es una mujer que parece haber alcanzado la estabilidad perfecta tanto en su carrera como en su relación con un escritor (Eduardo Noriega) que tiene una hija adolescente (Claudia Mora).

Sin embargo, esta calma se rompe cuando reaparece la sombra de su exmarido (Tamar Novas), un hombre violento que la maltrató en el pasado. Eva comienza a sentir su presencia en todas partes, sumergiéndose en una espiral de miedo donde la frontera entre la realidad y la paranoia se vuelve casi invisible.

Premio Lola Gaos 2025 a la Mejor Canción por "Caminar el tiempo".

Parecido a un asesinato está basada en la novela negra de Juan Bolea, es una historia que no te deja acomodarte, que juega contigo desde el principio y que te obliga a mirar dos veces y hasta tres cada detalle, dejándome con la sensación de haber estado todo el rato caminando sobre terreno inestable ya que lo que en un primer momento creías entender se fragmenta porque los hechos se reconstruyen desde distintos puntos de vista y eso te hace desconfiar de todos y mantener la intriga viva.

Hay tensión psicológica, giros que cambian el sentido de lo que habías dado por seguro y ese juego con la percepción está bien llevado durante buena parte de la película.

El escenario es sin duda otro de los grandes aciertos con el Pirineo aragonés de fondo, que parece que observa y guarda algún secreto, convirtiéndo la naturaleza en un personaje más... silencioso pero presente.

Me ha gustado mucho cómo se presentan los personajes, sobre todo el de Eva, interpretada por Blanca Suárez, que para mí, su trabajo es el mejor de la película... a su lado, Eduardo Noriega cumple y Claudia Mora, sorprende.

Ahora bien, no todo me ha convencido ya que con un planteamiento atractivo, esperaba que la historia mantuviera el equilibrio hasta el final, sin embargo,la segunda parte me ha resultado un poco forzada y en ese intento por sorprender constantemente, al final se resiente.

Aun así, me parece una película interesante dentro del thriller español reciente... tiene atmósfera, una protagonista que destaca claramente por encima del resto y aunque no es redonda y a ratos se complica más de la cuenta, logra mantener el interés y crear esa duda constante que es la base de cualquier buena historia de misterio.

Eloy de la Iglesia, adicto al cine

Año: 2025
Duración: 99 min.
País: España
Dirección: Gaizka Urresti
Guion: Gaizka Urresti, Moisés Garrido y Juan Barrero

Música: Florencia Di Concilio

Fotografía: Pepe Añón
Reparto:
Eloy de la Iglesia, José Sacristán, Ángel Pardo, Fernando Guillén Cuervo, Gaspar Noé, José Luis Garci, Fernando Méndez-Leite, María Luisa San José, Luis E. Parés, Pedro Olea, Claudia Gravy...

Documental que narra la trayectoria de uno de los cineastas más transgresores y controvertidos de la historia de España, Eloy de la Iglesia. La obra recorre su evolución desde sus inicios como un director valiente y combativo contra la censura hasta convertirse en el cronista de la marginalidad y el "cine quinqui" durante la Transición.

El documental aborda su compromiso político, su exploración de temas tabú como las drogas y el sexo, y su caída personal en la drogadicción, que le llevó a más de una década de olvido.

Premio del Público 2025 en la Semana del Documental Vasco

Eloy de la Iglesia, adicto al cine es un documental que te permite volver a mirar de frente a uno de los cineastas más incómodos, valientes y mal entendidos de nuestro cine. El documental, dirigido por Gaizka Urresti, recorre la vida y la obra del director guipuzcoano de manera cronológica.

Nos encontramos ante un documental sobre la vida de un hombre atravesado por la pasión y por una necesidad casi vital de hacer cine, donde cada etapa personal se filtraba directamente en sus películas. El franquismo, la censura, la transición, la violencia en los márgenes, la juventud abandonada, la heroína, el deseo, la culpa, la política… todo se refleja en sus películas. La censura lo persiguió durante años, y su militancia comunista y su homosexualidad visible lo colocaron en un lugar incómodo incluso dentro de los espacios que, en teoría, debían acogerlo.

El documental explica muy bien cómo su cine quinqui fue mucho más que una etiqueta o una moda, donde la frontera entre la experiencia personal y la ficción se volvió difusa, diría que casi autodestructiva. Esa forma de vivir el cine como una extensión de su propio cuerpo terminó pasándole factura y su adicción a las drogas lo apartó durante un tiempo del foco público y de la industria cinematográfica.

Uno de los aspectos más delicados y mejor tratados del documental es su relación con José Luis Manzano, donde se habla del amor, de la dependencia, del desequilibrio, del deseo de proteger y moldear, y de ese vínculo intenso que marcó a ambos. Eloy creyó en él como actor y como símbolo de una juventud rota, y esa relación atraviesa algunas de sus películas más conocidas y también sus sombras más profundas.

Urresti construye el relato con un montaje muy bien construido, combinando fragmentos de sus películas, entrevistas y material de archivo que encajan perfectamente con el contexto social y político del país del momento.

Eloy de la Iglesia, adicto al cine es el retrato de un creador que hizo del cine un refugio, un director que rompió tabúes y cuya filmografía sigue incomodando hoy, quizá porque muchas de las heridas que señaló siguen abiertas.

Al terminar de verlo no he podido evitar emocionarme, al tener la sensación de haber estado acompañando durante estos 99 minutos a alguien que vivió y filmó sin red, pagando un precio altísimo por no renunciar nunca a su libertad. Un documental necesario para entender no solo a Eloy de la Iglesia, sino una parte esencial del cine español y de la historia reciente de este país.

La misteriosa mirada del flamenco

Año: 2025
Duración: 110 min.
País: Chile
Dirección: Diego Céspedes
Guion: Diego Céspedes

Música: Florencia Di Concilio

Fotografía: Angello Faccini
Reparto:
Tamara Cortés, Paula Dinamarca, Luis Dubó, Matías Catalán, Claudia Cabezas...

Ambientada a comienzos de los años 80 en un pueblo minero del desierto de Chile. Lidia (amara Cortés), es una niña de aproximadamente 11 años que crece en el seno de una familia queer amorosa y marginada por la comunidad local.

Cuando una misteriosa enfermedad empieza a propagarse y se genera un rumor que dice que se transmite con una sola mirada entre hombres enamorados, los habitantes del pueblo comienzan a acusar y perseguir a quienes consideran diferentes.

En ese contexto de miedo, prejuicio y violencia, Lidia se ve obligada a defender a su familia y encontrar su lugar en medio de la hostilidad, enfrentandose al odio social al mismo tiempo que aprende sobre el amor, la resistencia y la solidaridad.

Un Certain Regard a la Mejor Película en el Festival de Cannes 2025

Premio de la Juventud en el Festival de San Sebastián 2025

Premio Sebastiane Latino en el Festival de San Sebastián 2025

La misteriosa mirada del flamenco es una experiencia extraña y a la vez muy estimulante. La película cruza el western moderno con un relato de crecimiento y el melodrama con un realismo mágico. La idea de que una “mirada misteriosa” puede provocar una enfermedad funciona como metáfora en la que el miedo y los prejuicios acaban siendo más destructivos que aquello que pretende combatir.

La película retrata ese miedo colectivo y cómo va calando poco a poco hasta deformar las relaciones entre las personas... y frente a eso, aparece la empatía como una forma de resistencia, sobre todo dentro de una comunidad marginada que se protege como puede, desde el cariño y la necesidad de seguir viva.

El gran sostén emocional del filme es Tamara Cortes, que tiene una mirada que traspasa la pantalla y su trabajo deja claro que estamos ante una actriz con un futuro enorme por delante.

También me ha parecido muy acertado el guion, la elección del reparto y, sobre todo, el lugar donde se ha rodado la película. El desierto chileno de los años 80 no es solo un escenario, es casi un personaje más y visualmente, la película es de una gran belleza, gracias al trabajo en la dirección de fotografía de Angello Faccini.

Es cierto que no todo está perfectamente equilibrado... hay momentos que se sienten algo caóticos, y esa mezcla de géneros no siempre fluye como sería deseable, pero aun así, la película respira verdad. Diego Cespedes debuta con una obra arriesgada, sensible y profundamente humana, que se atreve a mirar de frente el miedo, el deseo y la violencia sin perder nunca de vista la amistad y el amor.

La misteriosa mirada del flamenco no es una película cómoda ni redonda, pero sí valiente y muy honesta... de esas que prefieren arriesgarse a fallar antes que repetir y darnos más de lo mismo.