Marnie Edgar (Tippi Hedren) es una mujer joven y hermosa con un oscuro pasado que la impulsan a robar sistemáticamente en las empresas para las que trabaja.
su vida toma un giro inesperado cuando su nuevo jefe Mark Rutland (Sean Connery) descubre su nueva vida.
En lugar de denunciarla, Mark la chantajea para casarse con él, decidido a desentrañar los secretos que atormentan a Marnie.
A medida que se desarrolla la historia, descubrimos que Marnie sufre de traumas infantiles profundamente arraigados que la generan una desconfianza hacia los hombres y un miedo patológico al color rojo.
Marnie, la ladrona es una muestra perfecta del genio de Alfred Hitchcock en su máxima expresión, donde el maestro del suspense crea una atmósfera cargada de misterio y complejidad psicológica.
Como en cualquier obra de Hitchcock, la película está impregnada de una intriga constante que te mantiene pegada al asiento y la combinación de suspense y una creciente sensación de tensión es magistral. Hitchcock, fiel a su estilo, construye una historia en la que cada escena, cada mirada y cada gesto traspasa la pantalla.
A pesar del paso del tiempo, la película sigue manteniendo su capacidad para captar la atención del espectador, demostrando que el legado de Hitchcock permanece intacto. Sus películas trascienden el tiempo y continúan fascinando con su habilidad para entrelazar el drama psicológico con el suspense. Una película que aunque ha envejecido en cuanto a sus técnicas cinematográficas, sigue siendo un ejemplo contundente de la habilidad cinematográfica de Hitchcock.
Película biográfica que narra la vida de Howard Hughes (Leonardo DiCaprio), un excéntrico millonario, aviador, ingeniero aeronáutico y productor de cine, y que sigue a Hughes desde sus primeros años como apasionado emprendedor en la industria cinematográfica y de la aviación, hasta su declive personal y psicológico, marcado por el perfeccionismo y los trastornos obsesivos-compulsivos.
La película destaca sus innovaciones en la aviación, como el desarrollo de grandes aviones y sus éxitos en Hollywood, pero también explora sus luchas internas con la paranoia y la reclusión. Además muestra las tensiones con el gobierno y la competencia empresarial.
Oscar 2004 a la Mejor Actriz de Reparto para Cate Blanchett Oscar 2004 al Mejor Montaje Oscar 2004 a la Mejor Fotografía Oscar 2004 a la Mejor Dirección Artística Oscar 2004 al Mejor Vestuario
Globo de Oro 2004 a la Mejor Película de Drama Globo de Oro 2004 al Mejor actor de Drama para Leonardo DiCaprio Globo de Oro 2004 a la Mejor Banda Sonora Premio BAFTA 2004 a la Mejor Película Premio BAFTA 2004 a la Mejor Actriz de Reparto para Cate Blanchett
Premio BAFTA 2004 al Mejor Diseño de Producción
Premio BAFTA 2004 al Mejor Maquillaje y Peluquería Critics´ Choice Award 2004 al Mejor Director
Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 2004 al Mejor Diseño de Producción
Critics´ Choice Award 2004 al Mejor Compositor Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 2004 a la Mejor Fotografía Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 2004 a la Mejor Banda Sonora Premio del Sindicato de Productores (PGA) 2004 a la Mejor Película Premio del Sindicato de Actores (SAG) 2004 a la Mejor Actriz Secundaria para Cate Blanchett
El aviador de Marin Scorsese es una película visualmente impresionante, una recreación meticulosa de la vida de Howard Hughes y de la época dorada de Hollywood. No hay ninguna duda de la exquisita realización de esta película, que parece sacada de los años más glamurosos del cine clásico, y las interpretaciones, especialmente la de Leonardo DiCaprio, son estupendas, y la dirección de Scorsese, es como siempre de una detallada precisión. La calidad técnica es indiscutible, desde el diseño de producción hasta la fotografía, que evocan a la perfección la era del lujo y la innovación aeronáutica.
Sin embargo, a pesar de todos sus méritos estéticos y la ambición de contar la historia de un personaje tan fascinante, la película sufre de una falta de ritmo que la convierte en una experiencia por momentos soporífera. A lo largo de sus casi tres horas de duración, El aviador para alargarse innecesariamente, perdiendo la intensidad narrativa que se espera de un biopic tan prometedor. Por momentos, la historia se diluye y puedes llegar a desconectarte, lo que provoca que la película pierda su capacidad de atraparnos.
Si hubiera que definirla en una sola palabra, esta sería: aséptica. A pesar de la grandeza visual y el esfuerzo por transmitirnos las complejidades de Hughes, El aviador falla en transmitir emoción y una conexión con sus personajes. El resultado es una película bellísima pero fría, que carece de la chispa emocional que la elevaría a la categoría de una obra maestra.
Secuela de la exitosa película El exótico Hotel Marigold y en esta ocasión, la historia sigue a un grupo de jubilados británicos que residen en el colorido y encantador Hotel Marigold, en la India, gestionado por el ambicioso y carismático Sonny (Dev Patel). Ahora, Sony sueña con expandir su negocio y abrir un segundo hotel, pero las complicaciones personales y profesionales pondrán a prueba su capacidad para alcanzar sus metas.
Mientras tanto, los huéspedes originales, como Evelyn (Judi Dench), Douglas (Bill Nighy) y Muriel (Maggie Smith) continúan enfrentándose a sus propios desafíos emocionales y de salud en esta nueva etapa de sus vidas, mientras se desarrollan nuevas amistades, romances inesperados y decisiones importantes sobre el futuro.
Secuela que a pesar de su colorido y optimismo se queda corta en cuanto a la profundidad de la historia que nos cuenta, que gira entorno a la expansión del hotel dirigido por Sonny, y que parece más una excusa para reunir nuevamente al estelar elenco de la primera película que una historia sólida por si misma.
El argumento, sin grandes giros ni sorpresas, resulta superficial y predecible, con ciertos toques de comedia y romance, que aunque agradables, no logran llevar la película más allá de lo esperado, sin embargo, lo que realmente la sostiene y evita que pase completamente desapercibida es su excepcional reparto, en particular, la maravillosa Maggie Smith que brilla una vez más, ofreciendo una actuación cargada de ironía y ternura que aporta el equilibrio perfecto entre el humor y la emotividad. Smith junto con Judi Dench, Bill Nighy y el resto del elenco, son la verdadera joya de la película, demostrando que incluso un guion flojo puede ser elevado por intérpretes de su calibre.
Al final, El nuevo exótico Hotel Marigold puede ofrecer no mucho en temas de originalidad o profundidad, pero para los fans de la primera entrega, proporciona la oportunidad de volver a ver a personajes entrañables en el pintoresco escenario de la India. Una película agradable de ver, aunque claramente impulsada más por la nostalgia y el talento de su elenco que por la historia en sí.
Título original: Wolf totem Año: 2015 Duración: 121 min. País: China Dirección: Jean-Jacques Annaud Guion: John Collee, Lu Wei y Jean-Jacques Annaud Música: James Horner Fotografía: Jean-Marie Dreujou Reparto: Feng Shaofeng, Shawn Dou, Ankhnyam Ragchaa, Yin Zhusheng, Basen Zhabu, Baoyingexige...
Película que nos cuenta la historia de Chen Zhen (Feng Shaofeng), un joven estudiante de Pekín que es enviado a Mongolia en 1967 durante la Revolución Cultural China para enseñar a los pastores nómadas.
Fascinado por la vida en la estepa y el equilibrio entre los humanos y la naturaleza, Chen queda especialmente cautivado por los lobos, animales venerados por los mongoles pero considerados una amenaza por el gobierno chino.
Cuando las autoridades ordenan exterminar a los lobos para proteger el ganado, Chen decide capturar un cachorro de lobo y criarlo en secreto.
A medida que crece el vínculo entre el hombre y el animal, Chen descubre las profundas enseñanzas sobre la supervivencia y el respeto por la naturaleza que el pueblo mongol ha preservado durante siglos.
Jean-Jacques Annaud nos ofrece una película visualmente impecable que desde su inicio se apoya en una fotografía deslumbrante para sumergirnos en los vastos paisajes de Mongolia. La tomas de la estepa combinadas con la grandiosidad de la naturaleza son un deleite para la vista y es imposible no quedarse maravillada ante la fuerza visual que acompaña cada secuencia. Sin embargo, pese a esta belleza escénica, la historia tarda en arrancar y los primeros 30 minutos carecen de la intensidad emocional que una espera de una historia tan cruda.
La película, no obstante, compensa con creces esta lentitud inicial, ya que una vez pasada la barrera de esa primera media hora, la historia cobra fuerza y te arrastra en una montaña rusa de emociones, con momentos de una gran dureza que no permiten apartar la vista de la pantalla. Es en esta segunda mitad donde Annaud nos entrega los momentos más impactantes, en los que la brutalidad de la naturaleza y la intervención humana chocan de manera feroz.
El mensaje ecológico es claro... el hombre, con su arrogancia y su creencia de ser el amo del mundo, se revela como el mayor depredador y sus consecuencias nos invita a cuestionar nuestra relación con la naturaleza y el precio de nuestra codicia. Nos creemos con el poder de hacer y deshacer a nuestro antojo todo lo que deseemos, sin pararnos a pensar en las consecuencias y pese a lo que vemos y padecemos, volvemos una y otra vez a tropezar con la misma piedra.
Uno de los puntos más fuertes de la película es, sin duda, su banda sonora, que no solo acompaña cada escena sino que le da una dimensión emocional que en muchos casos, es más poderosa que los diálogos.
Título original: La famille Bélier Año: 2014 Duración: 105 min. País: Francia Dirección: Eric Lartigau Guion: Victoria Bedos, Thomas Bidegain y Eric Lartigau Música: Evgueni Galperine y Sacha Galperine Fotografía: Romain Winding Reparto: Louane Emera, Karin Viard, François Damiens, Luca Gelberg, Roxane Duran, Eric Elmosnino, Ilian Bergala, Clémence Lassalas, Bruno Gomila, Mar Sodupe...
Película que sigue la vida de Paula (Louane Emera), una adolescente que vive en una familia en la que todos, excepto ella, son sordos. Paula actúa como el vínculo entre su familia y el mundo exterior, ayudando en las tareas cotidianas y en el negocio familiar.
Sin embargo su vida da un giro inesperado cuando descubre su talento para cantar y su profesor de música le anima a participar en una audición para una prestigiosa escuela en París. Mientras Paula se enfrenta al dilema entre seguir sus sueños musicales y quedarse para apoyar a su familia.
Premio César a la mejor actriz revelación para Louane Emera
Película que en su aparente sencillez consigue atraparte de manera cautivadora gracias a su encanto, que radica no solo en la historia que nos cuenta, sino en las sobresalientes interpretaciones, destacando especialmente Karin Viard y François Damiens en los papeles de los padres de Paula, quienes aportan tanta verdad que se hacen indispensables.
La película combina a la perfección el humor con la emotividad evitando caer en sentimentalismos exagerados, ofreciendo momento muy divertidos que se alternan con escenas de una gran ternura, consiguiendo que cada risa y cada lágrima estén equilibradas.
Al llegar al final de la película, es inevitable que una sonrisa aparezca en tu rostro, una sonrisa que refleja la satisfacción de haber formado parte de esta historia conmovedora y humana y esa sensación de bienestar que te deja, ya por si misma, justifica el tiempo invertido en verla.
Título original: Rebel without a cause Año: 1955 Duración: 111 min. País: Estados Unidos Dirección:Nicholas Ray Guión: Stewart Stern y Irving Shulman Música: Leonard Rosenman Fotografía: Ernest Haller Reparto: James Dean, Natalie Wood, Sal Mineo, Jim Backus, Ann Doran, Corey Allen, William Hopper, Edward Platt, Nick Adams, Dennis Hopper...
Película que sigue la vida de Jim Stark (James Dean), un adolescente problemático que se muda a una nueva ciudad buscando dejar atrás su turbulento pasado. A pesar de sus intentos por encajar, Jim pronto se ve atrapado en un mundo de violencia y conflicto generacional.
En su nuevo entorno conoce a Judy (Natalie Wood) y a Platón (Sal Mineo), dos jóvenes con sus propios problemas familiares y emocionales. Juntos forman una especie de familia alternativa mientras luchan contra la incomprensión de los adultos y la presión de sus compañeros.
La película, ambientada en los años 50 es un retrato icónico de la juventud rebelde y el descontento generacional.
Nicholas Ray nos sumerge en un torbellino de emociones adolescentes que ha trascendido generaciones con un retrato crudo y visceral de una juventud desorientada en busca de su lugar en el mundo.
James Dean encarna a la perfección la angustia y rebeldía de una generación y su magnética presencia en pantalla, su mirada desafiante y su interpretación han convertido a su personaje, Jim Stark, en un arquetipo del adolescente rebelde. Es importante destacar también, la brillante actuación de Sal Mineo, con un personaje secundario con el que consigue robar las escenas con su vulnerabilidad y su compleja relación con Jimmy, dejando demostrado en la pantalla su talento.
La dirección de Nicholas Ray es enérgica y visceral, las secuencias están cargadas de tensión, creando una atmósfera de opresión y desasosiego que refleja a la perfección el estado de ánimo de los personajes.
Si bien Rebelde sin causa no es una obra maestra, no hay lugar a dudas que ha dejado una huella imborrable en la historia del cine y su influencia en el cine juvenil posterior es innegable al igual que su capacidad para conectar con el público de diferentes generaciones.
Rebelde sin causa es mucho más que un simple melodrama adolescente, es un retrato social de una época marcada por la incertidumbre y la desilusión, convirtiéndose en un clásico de culto.
Su gran reparto, su ritmo trepidante y su capacidad para conectar con el espectador la convierten en una película imprescindible para cualquier amante del cine.
Título original: The reluctant fundamentalist Año: 2012 Duración: 128 min.
País: Estados Unidos Dirección: Mira Nair Guión: William Wheeler y Ami Boghani Música: Michael Andrews Fotografía: Declan Quinn Reparto: Riz Ahmed, Kiefer Sutherland, Kate Hudson, Liev Schreiber, Martin Donovan...
La película cuenta la historia de Changez Khan (Riz Ahmed), un joven pakistaní que vive el sueño americano tras graduarse en Princeton y conseguir un prestigioso trabajo en Wall Street. A medida que prospera su carrera, Changez se siente cada vez más integrado en la sociedad estadounidense, pero los atentados del 11 de septiembre de 2001 cambian radicalmente su vida.
Con el aumento de la islamofobia y la desconfianza hacia los musulmanes, Changez se enfrenta a una crisis de identidad, viendo como la tierra que una vez lo acogió con los brazos abiertos comienza a rechazarlo.
La película sigue su transformación y la tensión por su amor por Estados Unidos y sus raíces en Pakistán.
Una película basada en la novela de Mohsin Hamid, que te obliga a enfrentarte a la complejidad de la identidad y las ramificaciones de los prejuicios. A través de la historia de Changez, un joven pakistaní que navega entre dos mundos tras los ataques del 11 de septiembre, la película explora las profundas divisiones culturales y las consecuencias de juzgar sin comprender la totalidad de una situación.
La narrativa es provocadora, llevándonos a cuestionar la irracionalidad con la que a menudo respondemos al miedo y a lo desconocido y la trama nos enfrenta a las decisiones y actitudes impulsivas que, sin una reflexión adecuada, pueden llevarnos a actuar de manera equivocada, perpetuando el ciclo de desconfianza y malentendidos. Changez, interpretado con gran sutileza por Riz Ahmed, encarna este dilema: un hombre atrapado entre su vida en Estados Unidos y las expectativas de su país de origen, luchando por encontrar su lugar en un mundo que rápidamente lo clasifica como "el otro".
La película tiene momentos en los que se siente un tanto sobrecargada por elementos propios del cine comercial estadounidense y algunas secuencias parecen diseñadas para llegar a un público más amplio, lo que diluye un poco la intensidad emocional que podría haberse logrado con un enfoque más introspectivo, ya que una mayor profundización en las emociones de los protagonistas habría añadido una capa de intimidad que, aunque presente, no alcanza su máximo potencial.
A pesar de ello, sigue siendo una película muy recomendable, que te invita a la reflexión y ofrece una mirada matizada a temas como la identidad, la pertenencia y la percepción cultural.
Imposible no destacar la magnífica banda sonora que acompaña perfectamente el tono de la película, enriqueciendo la experiencia del espectador.
Aunque la película podría haberse beneficiado de un enfoque más íntimo, sigue siendo una historia potente que merece ser vista y "discutida", ya que te plantea preguntas incómodas pero necesarias, recordándonos que, en nuestro juicio apresurado, a menudo dejamos de verda la verdadera realidad.
