Shôgun

Año: 2024

Temporadas: 1 temporada (10 capítulos)

País: Canadá

Dirección: Justin Marks, Rachel Kondo, Fred Toye, Charlotte Brändström, Jonathan van Tulleken, Takeshi Fukunaga, Hiromi Kamata y Emmanuel Osei-Kuffour

Guion: Shannon Goss, Rachel Kondo, Matt Lambert, Justin Marks, Emily Yoshida, Maegan Houang, Caillin Puente y Nigel Williams

Música: Nick Chuba, Atticus Ross y Leopold Ross 

Fotografía: Sam McCurdy, Marc Laliberte Else, Christopher Ross y Aril Wretblad

Reparto:

Hiroyuki Sanada, Cosmo Jarvis, Anna Sawai, Nestor Carbonell, Tadanobu Asano, Louis Ferreira, Takehiro Hira, Hiro Kanagawa, Fumi Nikaido, Tommy Bastow, Toshi Toda, Shinnosuke Abe, Yoriko Dōguchi...

La serie Shôgun sigue la historia de John Blackthorne (Cosmo Jarvis), un navegante inglés que naufraga en Japón a comienzos del siglo XVII.

Perdido en un territorio desconocido y con costumbres radicalmente distintas, Blackthorne se encuentra inmerso en un mundo de samuráis, intrigas políticas y cultura feudal.

Mientras trata de adaptarse a este nuevo entorno, debe aprender a sobrevivir y navegar los complejos juegos de poder entre los señores feudales japoneses, en particular, el del ambicioso y astuto Lord Toranaga (Hiroyuki Sanada), quien está luchando por su vida mientras sus enemigos en el Consejo de Regentes se alían contra él.

A medida que Blackthorne se adentra más en esta sociedad, su vida y su visión del mundo cambian para siempre.

Premio Emmy 2024 a la Mejor Actriz Principal en una Serie de Drama para Anna Sawai

Premio Emmy 2024 al Mejor Actor Principal en una Serie de Drama para Hiroyuki Sanada

Premio Emmy 2024 a la Mejor Dirección en una Serie Dramática

Premio Emmy 2024 a la Mejor Serie Dramática

Premio Emmy 2024 al Mejor Actor Invitado en una Serie dramática para Nestor Carbonell

Premio Emmy 2024 a la Mejor Fotografía

Premio Emmy 2024 a la Mejor Mezcla de Sonido

Premio Emmy 2024 a la Mejor Edición de Sonido

Premio Emmy 2024 al Mejor Diseño de Título

Premio Emmy 2024 a los Mejores Efectos Visuales

Premio Emmy 2024 a la Mejor Edición de Imágenes

Premio Emmy 2024 al Mejor Diseño de Producción para una Serie o Programa de Época o Fantasía

Premio Emmy 2024 a la Mejor Actuación Acrobática

Premio Emmy 2024 al Mejor Peinado de Época, Fantasía o Ciencia Ficción

Premio Emmy 2024 para el Mejor Maquillaje Protésico

Premio Emmy 2024 para el Mejor Maquillaje de Época, Fantasía o Ciencia Ficción

Premio Emmy 2024 a los Mejores Trajes de Época

Premio Emmy 2024 al Mejor Elenco de una Serie Dramática

Nueva adaptación de Shôgun basada en la novela de James Clavell que logra capturar la esencia épica de la novela, pero no sin algunos tropiezos en su ejecución. La serie nos lleva al Japón del siglo XVII, donde seguimos a John Blackthorne, un navegante inglés que naufraga en Japón a principios del siglo XVII y se ve envuelto en la política, la cultura y la vida samurái de un mundo completamente desconocido para él.

Uno de los aspectos más sobresalientes de Shôgun es su fotografía donde cada escena está cuidada al máximo detalle, desde los paisajes japoneses con los vastos campos hasta los intrincados castillos samuráis, consiguen maravillarte visualmente. Los diseñadores de producción y el equipo de vestuario han hecho un trabajo impresionante recreando el Japón feudal, consiguiendo transportarte a una época de honor, traición y belleza mística.

El elenco es muy sólido, destacando desde mi punto de vista a todos los actores y actrices que representan a los personajes japoneses, destacando por supuesto el trabajo de Hiroyuki Sanada en el papel de Lord Toranaga que encarna a su personaje con una mezcla fascinante de astucia y frialdad calculada, aportando capas de complejidad al personaje. También destacaría a Anna Sawai que interpreta a Mariko y a Yoriko Dōguchi interpretando a Usami Fuji, quienes logran aportar una gran fuerza y elegancia a sus personajes... en cuanto a Cosmo Jarvis que es quien interpreta a John Blackthorne me resulta un poco forzado y no termina de conectar y transmitir como el resto de intérpretes.

La historia avanza lentamente, a veces demasiado lentamente y hay capítulos que se enfocan más en explicar detalles de la cultura japonesa que en conseguir que la trama avance, lo que en ocasiones puede resultar un poco tedioso si lo que busca es más acción, aunque a mí particularmente, estas descripciones y pausas detalladas me encantan.

Uno de los grandes temores que había antes de que se estrenase la serie era si lograría tratar con respeto la cultura japonesa de aquella época, especialmente después de la primera adaptación de 1980 que fue criticada por su representación algo estereotipada. Afortunadamente, la versión de 2024 parece haber aprendido de los errores del pasado y los distintos guionistas y directores han hecho un esfuerzo notable para que los personajes japoneses tengan profundidad y no sean simples "adornos" en la historia que gira en torno a Blackthorne, consiguiendo que las intrigas políticas, las relaciones complejas entre los daimyōs y la profundización de la filosofía samurái son algunos de los puntos más fuertes de la serie.

Esta nueva versión de 2024 destaca por su inmersión en la cultura japonesa, su recreación del Japón feudal del siglo XVII, con un impresionante diseño de producción y sólidas interpretaciones y aunque el ritmo pueda ser algo lento en algunos momentos, la serie es perfecta y conseguirá sumergirte en un mundo tan bello como violento y fascinante.

Marisol, llámame Pepa

Año: 2024

Duración: 87 min.

País: España

Dirección: Blanca Torres

Guion: Blanca Torres

Música: Marisol | Pepa Flores

Fotografía: Juana Jiménez

Reparto:

Pepa Flores "Marisol", Fernando Méndez-Leite, Nativel Preciado, Elvira Lindo, Enrique Cerezo, Vicky Flores, Cristina Almeida, Cristina Hoyos, César Lucas, Amaia Romero...

Documental que explora la vida de Pepa Flores, la icónica cantante y actriz española conocida como Marisol.

A través de entrevistas, material de archivo y testimonios íntimos, el documental revela el lado humano de la estrella, desde sus inicios como niña prodigio hasta su retiro de la vida pública.

Marisol, quien fue símbolo del cine español de los años 60 y 70, nos muestra su transición personal y profesional, reflejando su lucha por ser reconocida como Pepa Flores, una mujer que anhelaba la libertad y autenticidad lejos de los focos. Un conmovedor viaje entre la fama, el arte y el deseo de anonimato.

El documental dirigido por Blanca Torres, es un tributo nostálgico y delicado sobre la figura de Pepa Flores, conocida en su juventud como Marisol, y a través de una cuidada recopilación de material de archivo y testimonios de personas cercanas a su carrera y su vida personal y familiar, el documental traza la compleja trayectoria de una mujer que desde su niñez quedó atrapada entre los reflectores de la fama y su lucha por liberarse de esa imagen pública.

Uno de los mayores logros del documental es el reflejo del magnetismo innegable de Pepa Flores, que brilla en cada fotograma. Desde sus primeros pasos en el cine hasta su renuncia definitiva a la vida pública, Pepa proyecta una mezcla de carisma y vulnerabilidad que cautiva, aún cuando se percibe su anhelo por desaparecer de la vista del público.

Blanca Torres logra captar momentos íntimos y emotivos, acompañados por testimonios interesantes que aportan una nueva perspectiva sobre el mito de Marisol, sin embargo, aunque el documental explora con cariño y respeto el fenómeno que fue la estrella juvenil, es la Pepa Flores detrás de la fama lo más cautivador de todo el documental, quien verdaderamente despierta mi fascinación, la Pepa que dejó de lado el personaje de Marisol para buscar su propia identidad y libertad.

De pequeña, yo quería ser Marisol... imagino que, como casi todas las niñas de distintas generaciones, y soñaba con ser esa niña que cantaba, bailaba y hacía películas iluminando la pantalla. Pero con el paso del tiempo, quien realmente me ha fascinado es la persona de Pepa Flores, sus ideas, su valentía y determinación para alejarse del foco y reivindicar su derecho a vivir una vida auténtica. Aunque a veces anhelo volver a verla en una pantalla o en una entrevista (lo que daría de si una charla con ella), el respeto que siento hacia ella es tan inmenso que prevalece la paz por la que luchó tanto en alcanzar sobre el volver a verla delante de cualquier cámara.

En definitiva, Marisol, llámame Pepa e sun trabajo respetuoso y lleno de admiración, aunque me deja una ligera sensación de distancia emocional. Aun así, es totalmente recomendable para quienes deseen conocer mejor a una de las figuras más fascinantes de la cultura española.

Celda 211

Año: 2009

Duración: 110 min.

País: España

Dirección: Daniel Monzón

Guion: Daniel Monzón y Jorge Guerricaechevarría

Música: Roque Baños

Fotografía: Carles Gusi

Reparto:

Luis Tosar, Alberto Ammann, Antonio Resines, Carlos Bardem, Marta Etura, Vicente Romero, Manuel Morón, Manolo Solo, Fernando Soto, Luis Zahera, Patxi Bisquert, Félix Cubero, Josean Bengoetxea...

Juan oliver (Alberto Ammann), es un funcionario de prisiones que en su primer día de trabajo decide visitar la cárcel un día antes para familiarizarse con el lugar.

Durante el recorrido por el sector de máxima seguridad, un accidente lo deja inconsciente dentro de la celda 2011.

Justo en ese momento, estalla un motín liderado por Malamadre (Luis Tosar), el carismático y temido cabecilla de los presos.

Para sobrevivir, Juan deberá hacerse pasar por un recluso más y ganarse la confianza de Malamadre, mientras oculta su verdadera identidad.

A medida que el motín escala y las tensiones dentro y fuera de la prisión aumentan, Juan se verá inmerso en una peligrosa espiral de violencia y traición, donde la línea entre el bien y el mal se desdibuja.

Premio Goya 2010 a la Mejor Película

Premio Goya 2010 a la Mejor Dirección

Premio Goya 2010 al Mejor Actor Principal para Luis Tosar

Premio Goya 2010 a la Mejor Actriz de Reparto para Marta Etura

Premio Goya 2010 al Mejor Actor Revelación para Alberto Ammann

Premio Goya 2010 al Mejor Guion Adaptado

Premio Goya 2010 al Mejor Montaje

Premio Goya 2010 al Mejor Sonido

Premio Forqué 2010 a la Mejor Película

Premio Forqué 2010 a la Mejor Interpretación Masculina para Luis Tosar

Premio al Mejor Actor 2010 para Luis Tosar en el Festival de Cine de Seattle

Premios Ace 2010 al Mejor Actor para Luis Tosar

Premios Ace 2010 al Mejor Actor de Reparto para Carlos Bardem

Premio Sant Jordi 2010 a la Mejor Película Española

Premio al Mejor Largometraje 2011 en la I Edición Premios Alma de Guion

Basada en la novela de Francisco Pérez Gandul, Daniel Monzón nos introduce con Celda 211 en el mundo implacable y violento de una prisión española donde las reglas son dictadas por el más fuerte y la justicia es un concepto nebuloso. Desde el principio, la película te agarra por el cuello y no te suelta hasta su brutal desenlace.

La historia sigue a Juan Oliver, un funcionario novato que se ve atrapado en un motín liderado por el imponente Malamadre, y es en esta premisa, aparentemente sencilla donde la película encuentra su verdadera fuerza... un protagonista que se ve obligado a fingir ser uno más de los reclusos para sobrevivir, mientras su integridad y moral se ponen a prueba a cada minuto. La actuación de Ammann es estupenda, logrando con gran precisión la evolución de su personaje desde un hombre común y corriente hasta alguien que debe enfrentarse a sus propios demonios en un entorno salvaje, pero es Luis Tosar con Malamadre quien roba la pantalla. Tosar da vida a uno de los personajes más memorables del cine español contemporáneo, un líder criminal brutal pero carismático, cuyo código de honor y complejidad emocional lo convierten en mucho más que un villano. Su relación con Juan es el corazón de la película, con una dinámica llena de tensión, respeto y desconfianza que te mantiene en todo momento en vilo.

Monzón también merece elogios por su dirección y manejo del suspense y a través de una puesta en escena claustrofóbica y una atmósfera de constante peligro, logra hacer que sientas la axfisia y la desesperación del entorno carcelario. La cámara se mueve con fluidez entre los pasillos y celdas, capturando tanto la violencia física como la emocional que define la vida en prisión.

La película, sin embargo, no se limita a ser un ejercicio de adrenalina pura, también es una reflexión sobre el sistema penitenciario, la justicia y las líneas borrosas que separan a los guardianes de los prisioneros.

Una obra maestra del cine de género, una película que combina un ritmo trepidante, con personajes inolvidables y que se erige como una de las mejores películas del cine español. Un thriller que no solo te mantendrá al borde de tu asiento, sino que te dejará pensando mucho después de que hayan caído los títulos de créditos.

Paquita Salas

Año: 2016 - 2019

Temporadas: 3 temporadas (16 episodios)

País: España

Dirección: Javier Ambrossi y Javier Calvo

Guion: Javier Ambrossi, Javier Calvo y Brays Efe

Música: Manu Guix

Fotografía: David Echeverría Muñoz y Fran Ríos

Reparto:

Brays Efe, Belén Cuesta, Lidia San José, Anna Castillo, Álex de Lucas, Macarena García, Yolanda Ramos, Mariona Terés, Secun de la Rosa, Alicia Hermida, Gracia Olayo, Natalia de Molina, Andrés Pajares...

Paquita Salas (Brays Efe) sigue la vida de Paquita, una representante de actores que en los años 90 fue una de las más exitosas del país. Sin embargo, en la actualidad, su carrera ha decaído y se enfrenta a un mundo del espectáculo que ha cambiado drásticamente. Con su carácter excéntrico, su total falta de filtros y un profundo amor por su trabajo, Paquita lucha por recuperar su antiguo éxito, lidiando con clientes difíciles, situaciones absurdas y sobre todo, con la constante reinvención que la industria le exige.

En la primera temporada, Paquita Salas se enfrenta al mayor desafío de su carrera: la pérdida de su cliente estrella, Macarena García, quien decide buscar una nueva representante. A partir de este duro golpe, Paquita debe enfrentarse a la realidad de que ya no es la poderosa agente que solía ser. Con la ayuda de su fiel asistente Magüi (Belén Cuesta) y un sinfín de desventuras, Paquita trata de adaptarse a un mundo que parece haberse olvidado de ella.

La segunda temporada explora la búsqueda de redención de Paquita. Tras la crisis que vivió en la primera temporada, Paquita se embarca en un viaje para reconstruir su agencia y su vida personal. Con nuevas clientas, como la prometedora actriz Belén de Lucas (Anna Castillo), Paquita intenta demostrar que aún tiene mucho que ofrecer, sin embargo, también debe enfrentarse a su propio pasado, especialmente cuando ciertos secretos salen a la luz.

En la tercera temporada, Paquita Salas se enfrenta a su etapa más complicada: la necesidad de reconciliarse consigo misma y con su pasado. A medida que la industria sigue evolucionando y las redes sociales toman un papel crucial en la fama de los artistas, Paquita lucha por adaptarse, incluso si eso significa hacer concesiones que nunca habría imaginado.

Premio Feroz 2017 a la Mejor Serie de Comedia

Premio Feroz 2017 al Mejor Actor Protagonista de Serie de TV para Brays Efe

Premio Feroz 2017 a la Mejor Actriz de Reparto de Serie de TV para Belén Cuesta

Premio Ondas 2018 a la Mejor Serie de Emisión Digital

Premio Feroz 2020 a la Mejor Actriz de Reparto de Serie de TV para Yolanda Ramos

Estamos ante una joya televisiva que ha dejado una huella difícil de borrar en la ficción española. A lo largo de sus tres temporadas, la serie ha demostrado ser una obra maestra de la comedia y el melodrama, capaz de hacerte reír y llorar casi al mismo tiempo, sin embargo, si que hay un pero en Paquita Salas... que no haya más temporadas!!!

Paquita Salas es una serie que logra un equilibrio perfecto entre lo fresco y lo rancio, lo moderno y lo castizo, es una comedia que se nutre de la cultura pop contemporánea y de la tradición española más arraigada, creando una mezcla única que resulta tan auténtica como hilarante. La serie es tierna en su enfoque hacia los personajes, mostrándonos su vulnerabilidad y sus sueños frustrados, pero también es transgresora, desafiando las convenciones sociales y los estereotipos con una naturalidad que solo los grandes guiones pueden lograr.

Las interpretaciones son sencillamente excepcionales, con Brays Efe, en el papel de la protagonista, que nos regala una Paquita llena de matices, capaz de hacerte reír y emocionarte, y con Belén Cuesta y Yolanda Ramos, aportando una química con la cámara insuperable que se traduce en algunos de los mejores momentos de la serie. Yolanda Ramos, en particular, brilla con una interpretación que es al mismo tiempo absurda y profundamente humana, consolidándose como uno de los personajes imprescindibles de la serie.

Además, los cameos de Paquita Salas están inteligentemente escogidos e integrados en la trama, y que no solo añaden un elemento sorpresa, sino que también refuerza la conexión de la serie con el mundo real del espectáculo español. Cada aparición está pensada para aportar algo a la historia, logrando que sientas que estos personajes, aunque breves, son esenciales para el universo de Paquita.

El guion es otro de sus grandes aciertos, moviéndose cómodamente entre la comedia más absurda y el melodrama más conmovedor, logrando que ambas facetas se complementen a la perfección, ya que Los Javis saben perfectamente cuándo hacerte reír a carcajadas y cuándo tocarte el corazón.

A ver si hay suerte y Javier Ambrossi y Javier Calvo nos sorprenden con una nueva temporada, porque se echa de menos a Paquita Salas. Su frescura, su ternura y su capacidad para emocionar son cualidades que rara vez se encuentra actualmente. Aunque sus episodios se hacen demasiado cortos y su final deja con ganas de más, cada minuto que pasamos con Paquita es un regalo.

Los buenos modales

Año: 2023

Duración: 91 min.

País: España

Dirección: Marta Díaz

Guion: Marta Díaz y Zebina Guerra

Música: Joan Martorell

Fotografía: Vanesa Sola

Reparto:

Elena Irureta, Gloria Muñoz, Carmen Flores, Pepa Aniorte, Inma Cuesta, Bárbara Santa-Cruz, Neus Sanz...

Manuela (Gloria Muñoz) y Rosario (Elena Irureta) son dos hermanas que llevan años sin hablarse a causa de un antiguo conflicto familiar.

La trama se desencadena cuando sus nietos, que se han hecho grandes amigos gracias a sus cuidadoras, Trini (Pepa Aniorte) y Milagros (Carmen Flores) coinciden en una celebración y este reencuentro familiar inesperado pone al descubierto las heridas del pasado y obliga a las hermanas a enfrentarse a sus diferencias.

Trini y Milagros, dos amigas inseparables y vecinas de toda la vida, serán las encargadas de intentar reconciliar a las dos familias, utilizando su ingenio, su buen humor y un poco de intromisión.

Estas cuatro mujeres intentarán encontrar una solución para que las nuevas generaciones puedan disfrutar de una familia unida.

Marta Díaz nos presenta una comedia que, si bien no revoluciona el género, logra conectar con el público gracias a su entrañable historia y a las magníficas interpretaciones de su elenco femenino.

La película nos sumerge en el universo de dos hermanas distanciadas, Manuela y Rosario, cuyas vidas se cruzan nuevamente en el cumpleaños de su nieto. Este reencuentro, lejos de ser idílico, desvela un entramado de secretos, rencores y heridas del pasado al que se deberán enfrentar.

Díaz dirige con sensibilidad esta comedia dramática, logrando un equilibrio entre los momentos más cómicos y los más dramáticos. La película destaca por su retrato de las relaciones familiares, poniendo de manifiesto la importancia de la comunicación y el perdón, sin embargo, en ocasiones, la trama se pone un tanto predecible y algunos personajes caen en estereotipos.

Pero los buenos modales realmente brilla en las interpretaciones. las cinco actrices protagonistas ofrecen un trabajo sobresaliente.

Estamos ante una película que entretiene, perfecta para disfrutar en compañía, y aunque no sea una obra maestra, es una propuesta con muy buenas intenciones y sin pretensiones, que logra arrancarnos más de una sonrisa y nos hace disfrutar de una rato agradable.

La estrella azul

Año: 2023

Duración: 118 min.

País: España

Dirección: Javier Macipe

Guion: Javier Macipe

Fotografía: Álvaro Medina

Reparto:

Pepe Lorente, Cuti Carabajal, Bruna Cusí, Marc Rodríguez, Mariela Carabajal, Catalina Sopelana, Alberto Castrillo Ferrer, Pablo Álvarez...

La estrella azul es un viaje musical y emocional que nos transporta a los años 90. Mauricio Aznar, un rockero español en la cima de su fama, decide dejar atrás los excesos y la rutina para buscar un nuevo significado a su vida y a su música. Con este propósito, emprende un viaje por Latinoamérica, en busca de inspiración y de reconectar con sus raíces artísticas.

En su periplo, Mauricio conoce a Don Carlos, un anciano músico folclórico que, a pesar de haber compuesto algunas de las canciones más populares de su país, vive en la pobreza y ha sido olvidado por la industria musical. A pesar de sus diferencias, ambos músicos se encuentran unidos por una profunda pasión por la música y la necesidad de expresarse a través de ella.

Don Carlos, con su sabiduría y experiencia, se convierte en un mentor para Mauricio, guiándolo en un camino de autodescubrimiento y enseñándole a valorar la autenticidad y la sencillez de la música.

Premio de la Juventud 2023 en el Festival de San Sebastián | Zinemaldia

Premio Cooperación Española 2023 en el Festival de San Sebastián | Zinemaldia

La estrella azul es una película que brilla con una magia especial y cautivadora. La película, fruto de la colaboración entre España y Argentina, destaca por la dedicación con la que se ha construido cada personaje y el entorno que los rodea, demostrando por parte del director, el afecto hacia sus protagonistas, logrando plasmar con gran sensibilidad sus vidas y emociones.

La película tiene la capacidad de tocarte las fibras más sensibles, con momentos que te conmueven profundamente, haciéndonos partícipes de las alegrías y tristezas de los personajes, sin embargo, no teme adentrarse en terrenos más oscuros y difíciles, mostrando la realidad con una crudeza que, lejos de ser gratuita, se siente auténtica y necesaria. Esta honestidad por parte de Macipe, tanto con los personajes como con el público, es uno de los puntos más fuertes de la película, que logra mantener una conexión emocional constante y sincera.

La película nos presenta un viaje introspectivo a través de los ojos de Mauricio Aznar, un rockero que busca redimirse en los paisajes de Latinoamérica. Su encuentro con Don Carlos, un anciano músico folclórico, desencadena una transformación profunda en ambos personajes y esta relación mentor-discípulo marcada por la admiración mutua y el respeto, es el corazón palpitante de la película.

La historia nos lleva por un recorrido que es tan hermoso como complejo, un viaje que transita por la belleza y las dificultades, por el dolor y la melancolía, pero que al final del camino, deja una sensación de vitalidad innegable... a pesar de todo. Macipe no solo nos ofrece una experiencia visualmente impactante, sino que también nos invita a reflexionar sobre la vida misma y el proceso de sanar las heridas emocionales.

La estrella azul es, en esencia, un homenaje apasionado a la música, esa música que trasciende fronteras y que, sin importar el lugar de origen, tiene el poder de unir a personas de todas las culturas y razas. La banda sonora se convierte en un lenguaje universal que habla directamente al alma, haciendo de esta película una obra que, además de ser estéticamente hermosa, tiene el poder de tocar los corazones.